À la Renwick Gallery, une vitrine de l'artisanat autochtone contemporain

Les motifs et les techniques d’artisanat traditionnel sous-tendent les 55 œuvres exposées dans « Sharing Honors and Burdens: Renwick Invitational 2023 », le 10e volet de la vitrine biennale de l’artisanat contemporain de la Renwick Gallery. Mais les six participants amérindiens et autochtones de l’Alaska à ce spectacle mélangent l’expérience du temps avec l’innovation, s’aventurant parfois dans un territoire qui n’est pas très traditionnel du tout.

Ainsi, Joe Feddersen (Arrow Lakes/Okanagan) s’inspire des paysages et des artefacts de son État natal de Washington, mais travaille souvent le verre, qui a été introduit dans les Amériques par les Européens. Feddersen, qui a exposé l’année dernière à la National Academy of Sciences de DC, reproduit les formes d’anciens pétroglyphes en pierre sculptée dans du verre, sur des estampes et tissés dans des paniers. Outre des images primitives de personnes et d’animaux, l’artiste commémore également les totems modernes: les tours métalliques qui soutiennent les lignes de transport électrique à haute tension.

Feddersen a réalisé l’une des pièces les plus importantes et les plus frappantes du spectacle: « Charmed (Bestiary) » est un ensemble de signes et de symboles rendus en verre clair et suspendus ensemble dans une sorte de mur-rideau qui s’étend presque du plafond au sol. Le résultat est ouvert mais imposant, et donné encore plus de présence par les ombres élaborées que les pièces de verre individuelles projettent.

Les œuvres les plus urbaines – et parmi les plus personnelles – sont celles de Maggie Thompson (Fond du Lac Ojibwé), une artiste textile basée à Minneapolis-St. Paul. Deux de ses pièces font allusion à des relations malsaines ou abusives. « The Equivocator » est un fouillis de corde dont les brins sont fourrés à l’intérieur de bas, suggérant un estomac noué; « I Get Mad Because I Love You » répète cette phrase des dizaines de fois en lettrage fait de perles blanches et argentées.

Thompson a également contribué à « On Loving », un ensemble de trois sacs mortuaires inspirés du conteneur utilitaire dans lequel le cadavre de son père a été emporté par les coroners. Les sacs de l’artiste reproduisent l’original, mais avec l’ornement supplémentaire d’un motif d’étoile du matin souvent vu sur les courtepointes ojibwées. La juxtaposition suggère que la tradition peut réconforter à un moment de perte.

Née en Alaska et basée à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, Erica Lord (Athabaskan/Inupiat) propose une série d’œuvres liées qui explorent des thèmes historiques et scientifiques, mais qui ont des implications privées. L’artiste enchaîne des perles de verre dans des motifs qui représentent l’ADN de virus et d’autres maladies qui affectent de manière disproportionnée les Amérindiens. Les pièces prennent la forme de sangles de fardeau, autrefois utilisées pour transporter des fournitures, ou de couvertures pour chiens connues sous le nom de tuppies. Sept de ces derniers sont exposés sur des formes canines blanches, disposées autour d’un traîneau pour commémorer le relais de traîneau à chiens de 1925 qui a livré de l’antitoxine diphtérique à Nome depuis le village natal de Lord, Nenana. (C’était la mission dirigée par Balto, un husky sibérien qui est devenu le sujet d’un film d’animation de 1995 et d’une statue commémorative érigée dans Central Park à New York.)

L’ADN définit également l’identité des Amérindiens, dont beaucoup sont de parents divers. À côté de ses œuvres perlées, Lord expose des photographies de ses tatouages, dont l’un enregistre l’arithmétique de sa qualification tribale: 5/16èmes. (Pour être légalement originaire de l’Alaska, le pourcentage doit être d’au moins un quart.)

Les sœurs Lily Hope et Ursala Hudson (Tlingit) sont des tisserandes qui font progresser le métier maîtrisé par leur célèbre mère, Clarissa Rizal. Hope, qui vit en Alaska, a le style plus traditionnel, tandis que Hudson, basé au Colorado, intègre les dessins autochtones à la mode contemporaine. Les deux artistes montrent principalement des objets portables, mais les pièces de Hope comprennent « Clarissa’s Fire Dish », un récipient en écorce et laine fabriqué en l’honneur de sa mère. Historiquement, ces plateaux tissés étaient faits pour être brûlés rituellement dans le cadre de la tradition Tlingit de mettre de la nourriture dans le feu pour nourrir les âmes défuntes.

Vannier depuis l’âge de 4 ans, Geo Neptune (Passamaquoddy) du Maine fabrique des pièces complexes qui imitent les formes naturelles. Inclus ici est un groupe d’épis de maïs multicolores, des paniers et des boucles d’oreilles en forme et en couleur de fraises et un panier perlé avec un petit oiseau tissé dans son couvercle. L’artiste transgenre (ou bispirituel) travaille principalement avec du foin d’odeur et du frêne noir, attirant l’attention sur la menace que représente pour ce dernier l’agrile du frêne.

Les créations jumelées de Neptune évoquent la fragilité de la nature mais aussi la persévérance de la culture. Travaillant avec des matériaux tels que le verre, la laine et les perles, ces six artistes créent des monuments délicats de la culture autochtone telle qu’elle était – et est.

Renwick Gallery, 17th Street et Pennsylvania Avenue NW. americanart.si.edu.

Dates : Jusqu’au 31 mars.

Entrée : Gratuit.